"Wonderful Tonight" es una canción del famoso músico íngles Eric Clapton. Pertenece al disco Slowhand de 1977, que es uno de los mejores discos de este gran guitarrista, donde resaltan varias canciones que ya son clásicos.
El single de esta delicada balada fue lanzado recien en 1978 y fue un gran éxito en ventas, ayudando aún más a la popularidad del impresionante disco.
Esta balada es de las mejores composiciones de Clapton en su etapa setentera. La inspiración y dedicación fue para Pattie Boyd, quien era su novia por ese entonces. Boyd era novia de George Harrison hasta que conoció al mejor amigo del ex-Beatle y decidió irse por el fácil y peligroso camino de la infidelidad y los engaños en una relación amorosa marcada por la lucha de egos entre esos dos pesos pesados del rock que le dedicaron grandes canciones a la figura de esta hermosa joven. Something y "For Your Blue" de Harrison, mientras que Clapton le regaló los versos de "Layla" y "Wonderfull Tonight" . Todo esto fue corroborado años despues en el libro autobiográfico de Pattie Boyd titulado Wonderful Tonight: George Harrison, Eric Clapton, and Me.
"Wonderfull Tonight" fue escrita en 1976 por Clapton mientras esperaba impaciente que Patti Boyd se arreglara y maquillara para asistir a un tributo de Buddy Holly donde Clapton compartiría escenario junto a Paul McCartney.
En una entrevista con el periodico The Guardian en 2008, Pattie Boyd recordó que Clapton "estaba sentado a mi lado tocando su guitarra, mientras yo trataba de elegir un vestido para llevar al show. Al parecer ya llevaba harto rato en eso, mas encima no estaba a gusto de mi peinado, mi ropa, todo, asi que en ese rato Eric me grita "¡Escucha esto!" y empezó a tocar los acordes de esta canción que la habia compuesto mientras yo me arreglaba..."
Musicalmente es una canción notable, llena de magia en los riffs de guitarra y con un sonido blues muy delicado y cuidado casi a la perfección. Además Clapton se dió el lujo de colocar algo mas "pop" en esta canción y eso le jugó a favor, ya que se estaba desligando un poco del rock sesentero del cual fue protagonista principal y pudo dar cuenta a su publico que tambien estaba para sonidos actuales en sus discos y eso se nota en sus posteriores publicaciones discograficas.
Janis Lyn Joplin. (19 de enero de 1943 – 4 de octubre de 1970)
Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada gran estrella del rock.
Janis nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Sus padres habían querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.
Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta etapa una persona muy impopular. Rechazaba el racismo y se le acusaba de “amiga de los negros”. A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.
Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.
Luego de este suceso, volvió a la música. Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda “Big Brother and the Holding Company”, logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Cheap Thrills. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos.
Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds, Otis Redding. Ya entonces aspiraba “a ser algo más que la reina de los hippies”. Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado…
A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: “nada que siente tan bien puede ser malo”. “Sólo quiero algo de paz”.
En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo.
Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. “Cosmic Blues Band” sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Rolling Stone la denominó la “Judy Garland del rock”.
Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que “hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola…” Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría “ojalá no hubieras nacido”.
En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar “Pearl” con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.
Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco “Pearl”, que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema “Mercedes Benz” a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción “Buried Alive in the Blues” sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.
"Black is Black" es una canción de la banda española Los Bravos. Esta canción es el primer single que lanzó este grupo "soft rock" en 1966 para Decca Records bajo la producción de Ivor Raymonde.
La canción fue el primer paso de la agrupación para conquistar el mercado europeo con un track cantado completamente en ingles para lograr mas difusión.
Al ser lanzado el single, en agosto de 1966, la canción debutó en el puesto número 100 del Billboard Hot 100 Singles Chart en EE.UU. y en octubre ya estaba ubicada en el cuarto puesto de dicha lista para luego caer al casillero #12. En Canadá la canción fue todo un éxito liderando el famoso Canadian Singles Chart y llegó a colocarse ne el segundo puesto en el Reino Unido. Mientras que en su país, la banda llegó a vender cerca de dos millones de copias, siendo un todo clásico del rock español y de la frenética década de los 60's . Además, Los Bravos tienen el honor de ser la primera banda española en lograr fama y tener un éxito musical fuera de su país.
Esta canción también tiene su polémica ya que, según parece, solo la voz de Mike Kogel y los coros son originales de la banda. De acuerdo con lo que se menciona en los libros de Ángel Casas (45 revoluciones en España) y José Ramón Pardo (Historia del pop español), ademas de algunas declaraciones de los miembros de la banda, Los Bravos no tocaron esta canción en el estudio cuando fue grabada, siendo reemplazados por músicos contratados por el sello y los únicos que participaron fueron Mike en voz y los coros hechos por Toni y Miguel. La razón del por qué se tomó esa decisión en los estudios de grabación se debió que debían acatar las condiciones impuestas por todos los Sindicatos de Músicos de aquella época en Londres, cuyo fin era generar empleos seguros a todo aquel ingles que tomara como trabajo hacer y crear música. Incluso, el periodista español Ángel Casas dio mas detalles sobre esa situación, añadiendo que entre los músicos contratados por el sello para tocar en la canción se encontraba un joven guitarrista de sesión llamado Jimmy Page, que después saltaría a la fama tocando su guitarra y escribiendo temones en Led Zeppelin. Aunque esto no ha sido confirmado ni desmentido por ningún miembro de Los Bravos. Sobre este acontecimiento, y al ser consultado en un entrevista con el diario El País, Jimmy Page mencionó algo disgustado por recordarle su trabajo como músico de estudio:"¿Que si toqué en el Black is Black, de Los Bravos? No me suena. De todas formas, yo no quisiera que se me recordara por un trabajo tan poco estimulante como ese. Tocar en el estudio era como fichar en una oficina. De las nueve a las doce, con una cantante. De la una a las tres, con un grupo. Por la tarde, con una orquesta. Muchas veces, ni sabíamos el nombre de la canción... ¡o del artista!". Con lo cual queda mucha duda si Jimmy participó en esta famosa canción dejandose solo como una leyenda urbana qe gira en torno a la canción.
El hielo de Groenlandia se encuentra más oscuro que nunca, este año. Investigadores americanos han estado estudiando el suceso de la nieve negra que se puede encontrar en el Ártico. La nieve negra afecta al albedo, que controla la cantidad de energía solar que se refleja del hielo, consiguiendo que se acelerara el deshielo de los glaciares en un 20% tan solo en 30 días. Las observaciones desde el satélite muestran que, desde 2009, incluso en primavera, el aumento de impurezas que son absorbidas por la luz en la nieve y la atmósfera es mayor.
Jason Box, un profesor de glaciología danes, asegura que este año el hielo groenlandés se encuentra más oscuro que nunca y, por el momento, es imposible saber por qué.
Esta nieve negra se crea a partir del aumento de las cantidades de polvo que provienen del suelo, el hollín de los incendios y las partículas ultrafinas de carbono negro y de diesel de los motores industriales que se depositan a miles de kilómetros de distancia del lugar de donde fueron liberadas.
La nieve negra se extiende desde el Himalaya hasta el Ártico y podría ayudar a aumentar el nivel del mar en varios centímetros para el 2100.
Sumado al fenómeno de los agujeros en Siberia y las burbujas de metano en la costa atlántica, Box encuentra serios indicios de que el Ártico puede cambiar abrupta e impredeciblemente en cualquier momento.
En este año, el manto de hielo es 5.6 por ciento más oscuro y por ende genera una absorción adicional de energía solar, equivalente a dos veces el consumo eléctrico anual de los Estados Unidos. Al mismo tiempo, es este mismo año en el que se registra el mayor número de incendios forestales de la historia registrada del Ártico.
Según destaca Box, el principal desafío para los científicos consiste en determinar qué parte del hollín en los hielos de Groenlandia proviene de los incendios y qué parte obedece a otras causas, como podrían ser las emisiones fabriles.
"D´Andrea, ¿cómo le va? Pensar que algunos ya lo hacían finado", le dice un parroquiano a Marcelo Mastroianni en un momento de la película De eso no se habla, de María Luisa Bemberg, basada en un cuento de Julio Llinás.
En esa película Mastroianni se enamora de una enana y “No estoy seguro de ser vivo”, le responde Mastroianni (Ludovico D´Andrea) al parroquiano cuando dio por cierto que la enana -medio fea y enculada siempre- es la mujer que más amó en toda su dilatada vida, o la que hubiese querido que fuese pero en otro cuerpo. Pero Mastroianni responde “No estoy seguro de ser vivo”.
En ésa respuesta al parroquiano no había ni locura ni parodia ni ironía, sino una declaración de principios, un micro tratado sobre las posibilidades de vivir. Porque suene grotesco no quiere decir que no va en serio. Porque va en serio no quiere decir que nos va a aburrir. Aunque a veces sucedan las dos cosas a la vez, una vez lo sentido no basta para explicarnos ciertos mecanismos tan menospreciados por todo ese invento que se llamó (y se llama) “cultura popular”.
Las reducidas versiones de la verdad que toda la madeja de “lo político” diagrama como sentido tapan el bosque, pero no lo destruyen.
En ‘De eso no se habla’ Marcello Mastroiani se enamora de una enana, Charlotte.
Charlotte es la representación de lo diferente. Podría haber sido una persona de color, un homosexual, un inmigrante, un anarquista, un poeta., cualquiera que no siga la majada.
‘La película profundiza en el universo de quienes son distintos o van en contra de lo establecido’.
Preguntada, en una entrevista, con que personaje de sus películas se identificaría, María Luisa Bemberg contestó: Charlotte. El Festival de la Habana le reconoció el Premio al Mejor Guión por ‘De eso no se habla’.
Kenneth Vincent John Wheeler fue un músico canadiense de jazz, trompetista, fliscornista, compositor y arreglista.
Hablamos de "fue" ya que hace apenas unos días Kenny Wheeler, estrella del jazz británico, falleció a los 84 años en el asilo cercano a Londres, donde tenía establecida su residencia. El 18 de septiembre para ser claros.
Kenneth Vincent John Wheeler había nacido en 1930 en Toronto. Cornetista desde los 12 años, estudió composición con John Weinzweig, uno de los pioneros del serialismo al norte de los Grandes Lagos. En 1952, y ante la imposibilidad de obtener el visado para viajar a Estados Unidos, emigró al Reino Unido en la compañía de su amigo de instituto y reconocido crítico musical Gene Lees: “La idea era que íbamos a formar un dúo, él tocando y yo cantando”, recordaba el segundo. “Al final, él fue un éxito y yo fui despedido”.
En 1967 John Dankworth, director de orquesta, le encarga la música para una obra. fue la oportunidad que estaba esperando. Dos años después, su primer álbum, Windmill tilter, acompañado por Dankworth y su orquesta.
Wheeler hizo jazz rock con músicos ingleses, como Ian Carr, John Taylor, Bill Bruford, John Surman o la superbanda CCS, y trabajó con otros jazzistas como Mike Westbrook, Phill y Joe Jones o Chris McGregor y sus "Brotherhood of Breath". En esa época, realizó además arreglos para bandas como la de Maynard Ferguson. Más tarde, formó una big band con Derek Bailey y Evan Parker, desarrollando música de vanguardia. En 1972, se integró en la "Globe Unity Orchestra" y grabó con el cuarteto de Anthony Braxton.
Dentro de la compañía discográfica alemana ECM, Wheeler grabó como líder, acompañado por Keith Jarrett, Dave Holland y Jack DeJohnette(1975), y poco después con el grupo "Azimuth", Jan Garbarek, John Abercrombie, Tony Coe y Ralph Towner, antes de incorporarse a la banda "United Jazz and Rock Ensemble" (1979). En los años 1980, tocó con George Adams, Henri Texier y, de forma estable, con el cuarteto de Dave Holland (1983-1989). En la década de los 90, desarrolló un trabajo amplio con distintas big bands de radios y TV.
La Royal Academy of Music dedicó al trompetista en 2013 una gran exposición retrospectiva con el título Master of Melancholy Chaos, haciendo referencia al un tanto contradictorio universo musical del creador: “Todo lo que hago”, había declarado el homenajeado para la BBC, “contiene un toque de melancolía y un toque de caos. Escribo canciones tristes y luego consigo los músicos indicados para destruirlas”. Las pasadas navidades, Wheeler entró por última vez en los estudios de grabación Abbey Road para registrar el que iba a ser su primer disco para ECM tras varios años grabando para otras compañías. La publicación del mismo, aún sin nombre, está prevista para los primeros meses de 2015.
En un intento por localizar la fuente de los ataques de una paciente epiléptica, doctores de la Universidad George Washington, en EE.UU., instalaron electrodos en su cerebro. Uno de los electrodos se colocó cerca del claustrum o claustro, una delgada banda de sustancia gris localizada debajo de la corteza del cerebro. Su rol es similar a la de un conductor de orquesta, que coordina varias cosas diferentes que pasan en el cerebro a la vez. La conciencia generalmente implica imágenes, sonidos, pensamientos y sentimientos, todos al mismo tiempo.
¿Es el claustrum lo que la hace posible? Cuando los doctores estimularon el electrodo, la mujer se mantuvo despierta, pero perdió la conciencia. Suspendió lo que estaba haciendo, quedó con la mirada fija en el vacío, sin expresión y dejó de responder. Cuando la estimulación terminó, la paciente recuperó la conciencia. Al parecer, es necesario un cerebro completo y complejo para vivir grandes experiencias, pero también es necesario un interruptor como el claustrum para que funcionen todas juntas.
